Le piace Brahms?

Torno all'Auditorium a distanza di pochi giorni dal concerto di Nick Cave and the Bad Seeds, ma stavolta in un contesto del tutto diverso. Grazie ai biglietti miracolosamente procurati dalla mia signora, partecipo alla serata diretta da sir Antonio Pappano nella quale spicca il concerto per violino e orchestra di Brahms.

Va detto che nella Stagione Sinfonica dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia l'età media del pubblico è straordinariamente alta, ma ciò che più sorprende, prima dell'inizio, è l'apparente indifferenza dei partecipanti, abituati ad incontrarsi lì più per frequentazione mondana che per vero interesse. Uno sparuto gruppo di giovani alle mie spalle parla ad alta voce del campionato NBA (speriamo tacciano durante il concerto...), ma tremo davvero quando capisco che la decrepita signora con toupet (di scuola Moira Orfei) è diretta nel posto davanti al mio...

Pappano ha allestito una bella scaletta stasera: si comincia con la celebrazione dei 150 dalla nascita di Pietro Mascagni con "Visione lirica. Guardando la S.Teresa del Bernini nella Chiesa di Santa Maria della Vittoria a Roma", che venne eseguita la prima volta nel 1923 a Roma (con la stessa Orchestra di Santa Cecilia diretta proprio da Mascagni). Si tratta di una composizione bellissima nella sua brevità (cinque minuti), in cui è davvero notevole la frase cantabile dei violini.

In aggiunta (vista la brevità del brano) Pappano decide di regalare un apprezzatissimo "Intermezzo" tratto dalla "Cavalleria rusticana", non incluso nel programma della serata.

La serata prosegue con un'altra celebrazione per i 10 anni dalla morte di Goffredo Petrassi. L'esecuzione del "Magnificat" vede anche l'arrivo del soprano mantovano Anna Maria Chizzoni insieme al coro dell'Accademia di Santa Cecilia. La composizione alterna fasi decisamente coinvolgenti ad altre che personalmente apprezzo meno. Tra i momenti migliori i percorsi coristici particolarmente interessanti, che rimandano ad altra musica del '900 e non necessariamente in ambito classico (alcune colonne sonore di Philip Glass e, perché no, i cori in "Atom Heart Mother" dei Pink Floyd). Meno apprezzabile invece la soprano, che non sembra a proprio agio con i passaggi iniziali della propria parte. 

Dopo un quarto d'ora di pausa arriviamo al piatto forte della serata: il "Concerto in re maggiore per violino e orchestra, op. 77" di Johannes Brahms.

Si tratta di una composizione dalla suddivisione classica, Allegro-Adagio-Allegro, nella quale il compositore di Amburgo volle inserire forti contenuti virtuosistici alla partitura del violino. Ecco perché il nome di Leonidas Kavakos, che qui è di casa dal 2005, suggerisce grandi aspettative: il quarantaseienne violinista greco è ormai considerato uno dei più grandi violinisti, in compagnia del suo Stradivari del 1724.

L'esecuzione si dimostra ben presto memorabile per la straordinaria compattezza dell'orchestra che ormai ha un feeling perfetto con Pappano e riesce ad esprimere ogni sfumatura di una direzione che tende a smussare gli eccessi. Scelta apprezzabile soprattutto in virtù delle caratteristiche di un violinista come Kavakos. Il violino si eleva a protagonista assoluto, esaltando un carattere a tratti gitano, brillante ed eccessivo. Ma con gusto. Fa impressione riuscire a sentire trilli e colpi d'archetto dalle sembianze quasi jazzistiche, sospinti da una velocità d'esecuzione rara nell'Allegro giocoso che chiude il concerto.

Pubblico entusiasta che, giustamente acclama lo straordinario binomio Pappano-Kavakos, che ringrazia eseguendo come bis un'estratto dal terzo movimento. Bravissimi.

Alla corte del Re Inchiostro

E' la carica dei cinquantenni da queste parti. Stavolta tocca ai mitici Nick Cave and the Bad Seeds, il 27 novembre, all'Auditorium Parco della Musica.

Anche per loro si tratta di colmare una mia grave lacuna, poiché mi dicono da più parti che si tratta di una performance imperdibile.

"Imperdibile" è un aggettivo che da tempo viene affibbiato un po' a tutto, tant'è vero che ormai è da considerare talmente abusato da non trasmettere particolari emozioni. Eppure...

Per questo concerto, nella serissima e grandissima Sala S.Cecilia, avevo trovato gli ultimi due biglietti un paio di mesi fa, e arrivando ci si rende conto del gran pienone. L'orario previsto è alle 21, ma entrando in sala con un certo anticipo trovo già il palco occupato da una cantante che si sta esibendo in piedi mentre suona un harmonium. Si tratta di Shilpa Ray che ha appena pubblicato un e.p. dal titolo esplicito: "It's All Self Fellatio". La sua è una musica che hanno definito "gothic burlesque", e per quanto le etichette lascino il tempo che trovano, definisce abbastanza il genere. La voce è davvero bella, ma alla lunga la dimensione sonora dell'accompagnamento al solo harmonium si dimostra un po' ripetitiva.

Nick Cave and the Bad Seeds

Si fanno attendere fino alle dieci meno un quarto, ma alla fine eccoli sul palco: Nick Cave & the Bad Seeds! Partono subito con "We No Who U R", singolo tratto dall'ultimo album "Push the Sky away". Bella e intensa come la successiva "Jubilee Street", con la quale il concerto si eleva a vette che si manterranno costanti per tutta la serata. Inizialmente il pubblico è ancora seduto e la scansione a spirale del brano innalza il livello emotivo ad ogni giro: qualcuno scandisce il tempo con le mani mentre il violino di Warren Ellis diventa sempre più ipnotico, altri iniziano ad alzarsi in piedi con gli occhi incollati a Cave che si muove sul palco come una fiera imprigionata. E poi... e poi anche il nostro Nick esplode in un salto improvviso verso la platea (date un'occhiata al video). E' la scintilla che rompe ogni regola, non ci sono più posti assegnati: tutti intorno al cantante che inizia a camminare sugli schienali delle poltrone, l'unico limite è rappresentato dalla lunghezza del cavo del microfono. I Bad Seeds costruiscono un muro di suono perfettamente arrangiato e la straordinaria acustica della sala permette di coglierne le sfumature. E' la volta di una cattivissima "Tupelo", tratta da "The Firstborn is Dead" del 1984, nella quale ho apprezzato una straordinaria sezione ritmica: dominata da Barry Adamson ritornato al basso nel centro del palco dopo tanti anni, e con Thomas Wydler alla batteria e Jim Sclavunos, che si alterna fra percussioni e xilofono. Dopo "Red Right Hand" (del '94) con una istrionica serie di movenze da rockstar consumata, tocca ad una struggente "Mermaids" (tratta dall'ultimo album) che Nick canta abbracciato ad una ragazza del pubblico.

Nick Cave

Con "The Weeping Song" (una delle mie preferite da sempre) si torna dalle parti del repertorio classico del gruppo (notevoli i ricami del canuto Conway Savage alle tastiere e di George Vjestica, che è alle chitarre nella parte europea del tour), suggellato dalla antica "From Her to Eternity", selvaggia come non mai.
Il ritmo forsennato dell'inizio lascia il passo alle atmosfere più introspettive derivanti da "The Boatman's Call" del '97. Gli occhi degli spettatori sono incollati a King Ink e alla sua band, impegnati nel rito della celebrazione del concerto rock: tocca alla tenue "West Country Girl", la ballata pianistica "People Ain't No Good" che sfocia nella malinconica "Sad Waters" (che è l'unica tratta da "Your Funeral... My Trial" dell'86) e "Into My Arms" nella quale Nick abbraccia il pubblico con una voce che è un insieme di tenerezza, calore ed emozione.
Non ce ne rendiamo conto ma si va verso l'epilogo, non prima di una fantastica "Higgs Boson Blues" seguita da "The Mercy Seat". Si chiude con la nervosa e potente "Stagger Lee" presa dalle "Murder Ballads" e l'ipnosi quasi messianica di "Push the Sky Away", a metà tra inno dell'anima e melodia salvifica.
Impossibile accontentarsi qui. Siamo ancora tutti talmente esterrefatti per il livello qualitativo del concerto che la richiesta dei bis è tutto tranne che una formalità. Dopo qualche minuto tornano sul palco per quattro brani i cui titoli già dicono tutto ad ogni conoscitore della band: "God is in the House" per piano e violino, "Deanna", l'elettro-acustica e coinvolgente "Papa Won't Leave You, Henry" con una signora-fan che sale sul palco in tailleur (!?) e la conclusiva "We Real Cool" con una nuova incursione sul palco: stavolta è un fan che è invitato a duettare (che emozione...) dal nostro Cave, ma che invece rivela una ben stridula vocina. E qui si chiude per davvero: due ore di concerto tiratissime nelle quali ho apprezzato un leader in piena forma che non si è risparmiato neanche un istante, ed una band di livello assoluto, che mostra la via del rock (quello vero) a tante proposte più recenti.
Dicevamo "imperdibile" all'inizio? Beh, non troverei aggettivo migliore per una performance con tanto cuore, pathos, tecnica e, non dimentichiamolo, canzoni bellissime.

NB: i brani sottolineati aprono un link su YouTube con registrazioni tratte da questo concerto. Le foto fin qui ©Musacchio & Ianniello, possono essere utilizzata esclusivamente per l' avvenimento in oggetto o per pubblicazioni riguardanti la Fondazione Musica per Roma. La foto sotto è dalla pagina Facebook di Nick Cave.

Nick Cave prima del concerto a Roma

25 anni fa

Chiarisco subito che il titolo non si riferisce al tempo che è passato dal mio ultimo post... anche se in effetti ho trascurato un bel po' queste pagine virtuali.

25 anni fa usciva l'album "Fisherman's Blues" dei The Waterboys. Era un compendio di due anni di sessions (dal 1986 al 1988) da cui scaturirono circa 100 brani registrati! Un disco meraviglioso già all'epoca, che ha visto susseguirsi negli anni edizioni sempre più estese che includevano gioielli non inclusi nella prima tiratura. Il mese scorso è uscita una ristampa colossale che include ben 6 CD (prezzo popolare, meno di 25€), mentre per i maniaci è stata realizzata la versione 7 CD (il settimo contiene alcune fonti di ispirazione per la band) + 1 LP (la ristampa dell'album originale in vinile). Il disco risulta uno straordinario mix di musica tradizionale scozzese, blues e country music, che non si finirebbe mai di ascoltare e che per me è stato la colonna sonora di tante giornate.

Durante le registrazioni di The Fisherman's Blues

Per festeggiare un album così particolare, i nostri eroi si sono riuniti sotto la guida di Mike Scott, il leader di sempre, ed hanno organizzato un tour che il 21 novembre scorso è arrivato a Roma, all'Auditorium Conciliazione, intitolato "Fisherman's Blues Revisited".

Riesco così a colmare la mia lacuna di non aver mai assistito ad un concerto dei Waterboys. La serata è in tema con la water del nome, infatti arrivo sotto un diluvio colossale, anche se i nostri non sono più tanto boys... Il pubblico anche è un po' attempato e la sala mostra parecchi spazi vuoti nel mezzo.

Il quasi cinquantacinquenne Mike Scott è decisamente in forma e la voce è sempre la solita: bellissima ed espressiva come (e più) di un Dylan delle highlands. Si alterna chitarrista e pianista con una freschezza ed una passione che contagiano la platea. Dopo un avvio un po' in sordina anche il pubblico partecipa con altrettanta passione. L'antica intesa con Steve Wickham (violino), Anthony Thistlethwaite (fiati e mandolino) e Trevor Hutchinson (basso e contrabbasso) si vede e si sente, come anche si nota lo straordinario supporto di Ralph Salmins (batterista negli ultimi due anni).

Mike Scott

Si parte con "Strange Boat" e poi la cover "Sweet Thing" di Van Morrison. Dopo l'inedita "Higherbound" si inseguono le note sull'onda dei ricordi: "A Girl Called Johnny" dall'album d'esordio, scritta 32 anni fa. Più avanti è la volta di "When We Will Be Married?" e a metà concerto c'è la doppietta poderosa di "Raggle Taggle Gypsy" (sì, quella maltrattata in italiano da Branduardi con "Vai cercando qua, vai cercando là"...), seguita da "We Will not Be Lovers" ed il pubblico entusiasta che si spella le mani. E' un concerto che non dà pause e Mike Scott si concede anche breve racconto per spiegare come conobbe "I'm So Lonesome I Could Cry" di Hank Williams, della quale fanno una cover struggente e appassionata. Si va verso la conclusione e arrivano brani come "Don't Bang the Drum" e "Fisherman's Blues" che  lasciano senza parole per intensità e sembrano venire da una dimensione senza tempo, tipica solo dei grandi pezzi che non invecchiano mai e che potremmo riascoltare mille e mille volte. E' il momento dei bis richiesti a gran voce da un pubblico ormai in piedi: "You In the Sky" dalle sessions di cui sopra (ma che apparve su Book of Lightning vent'anni dopo!) e  la splendida "The Whole of the Moon". Conclude "Saints and Angels".

Una serata bellissima ad opera di vecchi leoni della musica britannica che hanno sempre messo al primo posto l'attività dal vivo. E si vede.

NB: i brani sottolineati aprono un link su YouTube con registrazioni tratte da questo concerto

Finzione... Finzione...

Ci sono storie che hanno a che fare con un non-meglio-specificato senso di appartenenza.

Il nuovo film di Ferzan Özpetek "Magnifica Presenza" rientra a pieno titolo in questa categoria. Almeno per chi come me trova talmente familiari i luoghi ed i temi della pellicola da sentirsi completamente a proprio agio.

Non sto qui a raccontare la trama del film, ad ogni modo, sia detto per chiarezza, la storia racconta le vicende di Pietro (Elio Germano), pasticcere e aspirante attore, che va ad abitare in una casa che ospita i fantasmi della Compagnia teatrale Apollonio.

Ambientato nella mia Monteverde, il film è in realtà un'astrazione che prescinde tempi e luoghi, esattamente come dovrebbe essere una storia di fantasmi che si rispetti. Il tono riesce a variare più volte all'interno della narrazione filmica, per cui ci si trova ad oscillare fra i ritmi tipici della commedia (l'arrivo del protagonista nell'appartamento) ed i momenti di suspense (la rivelazione delle presenze spiritiche), garantendo una gradevolezza narrativa non comune.

Paola Minaccioni ed Elio Germano

Trovo particolarmente felice la mano del regista nel dirigere un protagonista straordinario, affiancato dalle ottime prove di Paola Minaccioni (la cugina Maria), Giuseppe Fiorello, Margherita Buy e Vittoria Puccini.

Ma sono soprattutto gli argomenti che sottendono alla trama principale ad esercitare un fascino speciale. 

Il teatro su tutti, che non si risolve solo nella funzione di spettacolo, ma che è al tempo stesso vita: bellissime, ad esempio, le scene del casting e della preparazione di Germano da parte dei fantasmi. Ma il teatro è anche libertà ed i riferimenti al passato (l'occupazione del 1945) fanno scaturire il tema del rapporto tra finzione e follia nell'ultima metà del film.

Altro argomento forte è quello dell'omosessualità (è un film di Özpetek o no?), che si arricchisce di spunti sognanti (il fantasma poeta), violenti (il pestaggio) ed irreali (la scena un po' troppo criptica del laboratorio).

Ci sono poi i temi storico-politici (il Risorgimento e la Resistenza) che vengono trattati con un tono che alterna leggerezza e nostalgia, ma anche una sottile critica all'Italia di oggi che si manifesta attraverso le domande della Compagnia che prova a capire come funziona il nostro Paese.
Non ultimo il tema della psichiatria che interpreta anche ciò che non capisce. "La menzogna alle volte può essere convincente, la realtà lo è molto di più".

Ferzan Özpetek mentre dirige Elio Germano sul set

Qua e là mi sembra di cogliere un'altra "presenza":  sotto innumerevoli aspetti possiamo intravedere un riferimento, forse involontario, a Nanni Moretti. Di Monteverde (quartiere storicamente morettiano) ho già detto, ma non manca anche l'ambientazione in pasticceria (la mia Pasticceria Andreotti, che ho illuminato sei anni fa), per non parlare del casting effettuato da Daniele Luchetti e dell'utilizzo del ballo come comunicazione "ulteriore" fra i personaggi. A completare tale vicinanza con Moretti: le comparse dei cardinali a Cinecittà sono quelle di "Habemus papam"!!!

E' bello anche ritrovare la partecipazione di Anna Proclemer, in un ruolo davvero intenso e centrato. Anche questo recupero di grandi attori di un recente passato, come fu per Massimo Girotti in precedenza, sta diventando una cifra stilistica del regista di origine turca.

Il finale del film credo che sia particolarmente bello, come nella migliore tradizione dell'Özpetek di "Cuore sacro" e "La finestra di fronte". Assistiamo infatti ad una vera e propria liberazione che partendo dal mio quartiere, si sposta sul mio tram (l'8 che arriva a Largo Argentina) ed arriva al mio Teatro Valle (oggi significativamente "occupato").

C'è da dire che la critica ha un po' bistrattato il film (ad esempio Natalia Aspesi su Repubblica), invece l'ho trovato bilanciato, scorrevole, ben recitato, ottimamente diretto, ... in una parola? Magnifico.

La "mia" casa in via Cavalcanti

Un palco per due

A distanza di più di un anno torna a Roma Ólafur Arnalds. 

Il nuovo tour arriva dopo ben due album pubblicati negli ultimi quattro mesi: prima il piccolo album (meno di mezz'ora) "Living Room Songs" frutto di una settimana di registrazioni domestiche, nella quale ogni giorno è stato registrato un brano, condiviso online in tempo reale (livingroomsongs.olafurarnalds.com), poi, a febbraio, la colonna sonora per il film "Another Happy Day" di Sam Levinson e con Ellen Barking e Demi Moore.

Nelle scorse settimane poi ha voluto condividere sulla rete lo streaming delle registrazioni con orchestra, che faranno parte di un nuovo lavoro, ha annunciato un nuovo EP e sta dando forma ad un progetto parallelo chiamato Kiasmos.

Insomma parlare di artista vulcanico può sembrare una battutaccia, visto che si tratta di un islandese, eppure il nostro Óli sembra davvero in un momento di creatività dirompente e la sua esibizione al Brancaleone si annuncia irrinunciabile. Motivo in più per non mancare, è l'abbinamento con il tour di Nils Frahm, talentuoso musicista tedesco con il quale condivide l'etichetta discografica (Erased Tapes) ed il prossimo EP ("Stare").

La serata inizia proprio con Nils al piano che inizia il proprio set con "Said and Done". La sua è una musica che attrae per la dinamica sempre mutevole, all'interno di ripetizioni cicliche che rimandano ai grandi del minimalismo, ma con una freschezza ed una personalistà emozionanti. Nils prende per mano gli ascoltatori e li imprigiona nella propria ragnatela di suoni, ora dolci e suadenti, ora aspri e meccanici.

C'è spazio anche per un'estratto da "7 Fingers", album (bellissimo, come avrò modo di dirgli nel dopo-concerto) condiviso con la violoncellista Anne Müller (già vista con Agnes Obel) che sale sul palco per l'occasione.

Il set termina con un bellissimo brano (forse tratto dal prossimo disco), nel quale Arnalds raggiunge Frahm al piano, per un'esibizione a quattro mani, nella quale possiamo vederli ridere divertiti (anche a causa di un tasto difettoso sulla tastiera...). E' davvero un bel cima quello che si respira in questa ultima data insieme: al termine delle proprie tournée, hanno unito le proprie date condividendo per due settimane i palchi di mezza Europa.
Un inconveniente tecnico al Macbook di Ólafur causa più di trenta minuti di ritardo al set del pianista islandese, alla fine la soluzione viene trovata in un "vecchio" campionatore M-audio che fortunatamente era stato portato di scorta.

Ma neanche questo problema riesce ad intaccare una serata che sembra nata proprio sotto una buona stella (dovessi fare un cd live, ne pescherei a piene mani). 

Ólafur inizia da solo, ma ben presto viene raggiunto sul palco dalla già citata Anne Müller e dal violinista islandese Viktor Orri Árnason. E' proprio dall'interazione fra i tre che vengono fuori momenti di assoluta bellezza, nei quali mi lascio trasportare con piacere, nonostante la scomoda sistemazione in piedi del pubblico. Il momento di assolo di violino ha in sé una forza ed un coinvolgimento da rito pagano dell'Europa del Nord. Meraviglioso.

Si succedono brani recenti ("Near Light", "Ágúst"), ma anche già noti (su tutti la splendida "Gleypa okkur") .

Si divertono anche i musicisti sul palco, in particolare il nostro Arnalds che, forse per smitizzare il proprio ruolo, introduce la splendida "Poland" spiegando come in realtà il brano sia nato a causa di una notte insonne in pullman passata a bere vodka, che ha così influenzato il successivo soundcheck polacco, nel quale ha composto il brano. "Altro che ispirazione..." suggella il nostro sorridendo.

Nel parlare della musica di Ólafur Arnalds, si fa riferimento ai soliti Chopin e Schubert, ma quello che propone in realtà il nostro amico è qualcosa di assolutamente nuovo e personale. Si tratta di musica che possiamo definire classica, ma figlia al 100% del XXI secolo. E' proprio questa la caratteristica che più colpisce dell'intero catalogo della Erased Tapes, che meriterebbe un approfondimento a parte (e non è escluso che lo faccia).

Il crescendo di emozioni, un mix di intimità e vigore, culmina col ritorno sul palco di Nils Frahm che si unisce al trio per un'improvvisazione: "Nella stessa tonalità?" chiede ironicamente prima di cimentarsi con un synth analogico. E' un momento di rara intensità che potete vedere grazie alla provvidenziale registrazione di Monica (questo è il link su YouTube) la quale ha caricato anche gran parte del concerto.

E si prosegue con gli ultimi brani nei quali viene anche svelata l'origine del brano "Ljósið": era stato commissionato per una pubblicità di vasche da bagno, ma scartato... "forse perché non era abbastanza stupido". Si conclude tra grandi applausi, ma c'è ancora tempo per un bis "Lag Fyrir Ömmu" (La canzone della nonna) per congedarsi con quel pizzico di commozione che non guasta.

Piano gentile

E' gentile il primo aggettivo che mi viene in mente pensando ad Arturo Annecchino. Un po' per i modi garbati che ha nel proporsi al pubblico, un po' per la sua musica, che mette a proprio agio l'ascoltatore e che proprio per questo impiega poco ad entrare nel cuore di chi si avvicina alle sue note.

E' uscito ad ottobre scorso il terzo album della serie Midnight Piano (stavolta dal titolo ancor più sintetico: "Midpiano 3") e l'occasione da non perdere è rappresentata dal suo concerto dal vivo al Teatro Eliseo di Roma, il 6 febbraio.

L'ingresso a teatro prevede una significativa performance di Alice Sforza, sulla scala di accesso, dal titolo "Eyes". La performer è seduta bendata sui gradini, mentre il suo sguardo è riprodotto sul computer che porta in braccio.

Il concerto invece si svolge su un palco dove è stata lasciata una scenografia del "Romeo e Giulietta" (di cui ha composto le musiche), che dà l'idea di trovarsi in un esterno (una piazza?), mentre le luci basse consentono di rendere visibile il disco bianco della luna al di sopra dei tetti.

Eppure la musica di Annecchino è realmente senza spazio e senza tempo ed i riferimenti veri sono nell'anima di ogni ascoltatore, che chiudendo gli occhi ha modo di collocarsi in una dimensione altra, che è quella del pianoforte e delle sue melodie.

Da sempre dedito alla musica per il teatro (ma anche cinema con "La bellezza del somaro"), Arturo Annecchino non è un pianista classico nel senso tradizionale del termine e, come lui stesso dichiara, è in gran parte autodidatta. Per trent'anni si è messo al servizio di produzioni teatrali in tutta Europa, soprattutto con il celebre regista tedesco Peter Stein, e solo dal 2007, grazie alla sensibilità dell'etichetta Storie di Note di Rambaldo Degli Azzoni, viene alla ribalta discografica come autore.

Arturo Annecchino e Alice Sforza

Il pubblico sta imparando a conoscerlo pian piano e per l'appuntamento all'Eliseo è abbastanza numeroso e segue con attenzione l'ora abbondante di musica. I brani sono quasi tutti estratti da "Midpiano 3", che appare anche dal vivo un'opera matura e piacevole nella sua gentilezza. Nel finale c'è anche modo di apprezzare una misurata contaminazione elettronica (fatta di loop ed effetti) che proviene dalla valigia che l'autore ha portato con sé sulla scena.

Una prova indubbiamente positiva che scalda il cuore di tutti, mentre fuori c'è una insolita neve romana.

Le fotografie sono di Pietro Pesce. Grazie a Lara Maroni di Storie di Note.

Note dai climi freddi

Sono arrivato ad Agnes Obel leggendo una recensione sul Mucchio Extra, nella quale si faceva ammenda per aver ignorato l'album "Philarmonics" all'epoca dell'uscita (ossia nel settembre 2010). In realtà ben pochi possono dire di non averla mai ascoltata, visto che i suoi brani sono stati utilizzati in celebri spot (Nissan e Deutsche Telekom) ed in telefilm di grande ascolto (Grey's Anatomy).

Per registrare l'album d'esordio, la brava cantautrice danese ha impiegato sei anni (dal 2004 al 2010), ma il risultato finale è estremamente compatto ed omogeneo. Si percepisce una produzione eccellente che, come spesso accade, andrebbe verificata dal vivo, cosicché l'occasione del concerto romano al Palladium diviene irrinunciabile.

La serata (18 novembre) è nell'ambito della rassegna "Romaeuropa" e prevede anche due esibizioni di apertura ad opera di altri artisti provenienti da climi freddi: lo scozzese Martin John Henry ed i canadesi Evening Hymns. Entrambi nomi nuovissimi per me, costituiranno piacevolissime sorprese.

Martin John Henry

Martin John Henry, già leader dei Da Rosa, si esibisce da solo, accompagnandosi con chitarra acustica ed effetti. Si mostra semplice, divertito e cordiale e tra un brano e l'altro arriva a definirsi "un semplice turista che è lì per caso". I 5 pezzi sono davvero notevoli e sono tratti dal suo album solista appena uscito ("The Other Half of Everything" su Gargleblast); spiccano soprattutto la suadente "I Love Maps" e la bellissima cover di "Cody" dei conterranei Mogwai. All'uscita non posso fare a meno di comprare il CD: davvero molto bello.

Evening Hymns

Pochi minuti ed è il turno degli Evening Hymns, ovvero Jonas Bonnetta (voce, chitarra ed effetti, nonché unico membro permanente della band) e la bassista Sylvie Smith. Brani davvero coinvolgenti e ricchi di fascino, un po' Bon Iver e un po' Timber Timbre, ma con personalità spiccata e talento da vendere. Meriterebbero più spazio in un concerto tutto loro e non è detto che ciò non accada, visto il loro amore dichiarato per Roma, ben ricambiato in questa serata nella quale eseguono magnifiche versioni di "Dead Deer" e "Lanterns". Da tenere d'occhio.

Ed ecco il momento dell'artista principale. Agnes Obel si presenta accompagnata al violoncello dalla tedesca Anne Müller (che ha da poco pubblicato con Nils Frahm l'album "7 Fingers" su Erased Tapes) e dall'arpista scozzese Gillian Fleetwood.

Anne Müller e Gillian Fleetwood

Sorprendentemente la minuta Agnes non sembra troppo concentrata all'inizio, forse la lunghezza del tour comincia a farsi sentire, tanto che invece di partire col secondo brano in scaletta, ricomincia con quello di apertura ("Liana") fra la costernazione delle due colleghe di palco. Dal vivo emerge in particolare la timidezza dell'artista danese, che si trincera dietro al suo piano, parlando pochissimo, anzi lasciando spesso alle altre il compito di presentare i brani e comunicare col pubblico.

Ma è con la musica che la Obel si esprime al meglio: si susseguono tutti i brani dell'album, sempre intensi e coinvolgenti, con belle variazioni di arrangiamento rispetto alle registrazioni, probabilmente a seguito della intensa attività concertistica dell'ultimo anno.

Agnes Obel

Brillano le esecuzioni delle magnifiche "Just So" e "Beast", per non parlare dell'incanto nel quale il pubblico si immerge sulle note di "Riverside". "Close Watch" invece è una cover (di John Cale) che rende merito anche all'abilità di arrangiatrice della nostra, mentre è la voce di "Brother Sparrow" che credo rimarrà indelebile nella mia memoria. Non mancano un paio di involontari siparietti: quando la Müller rompe l'archetto (avreste dovuto vedere l'espressione furente!) o quando la Obel non riesce ad aprire una bottiglietta d'acqua, fino a che uno spettatore sale sul palco per aiutarla ("I'm too weak..." si giustifica lei). I cento minuti di concerto scorrono via piacevolmente, tanto che al termine tornano sul palco due volte per i bis, che terminano, per ammissione della stessa cantante, perché il repertorio è terminato!

Forza Agnes, servono altri brani, bisogna quindi mettersi al lavoro per un nuovo disco... sperando che non ci vogliano altri sei anni!